PERSONA (1966)
Dirección: Ingmar Bergman.
Intérpretes: Bibi Andersson, Liv Ullmann, Margaretha Krook, Gunnar Björnstrand.
La actriz Elisabeth Vogler (Liv Ullmann) se encuentra en un hospital
después de perder la voz mientras estaba interpretando en el teatro
“Electra”.
A su cuidado se encuentra una enfermera llamada Alma
(Bibi Andersson), con quien Elisabeth, a quien los doctores no
encuentran causa alguna de su silencio, comienza una estrecha relación.
“Y en el principio, era el caos”. En esta forma de tintes bíblicos, nos
es presentado un collage de imágenes captadas por una cámara de cine, no
hay coherencia ni unidad, son fragmentos de ilusión, por igual son
captadas de la realidad que absurdos dibujillos animados. Es cine. Un
niño acostado se incorpora y nos mira de frente. Pero no nos ve a
nosotros sino a la imagen borrosa del rostro de 2 mujeres a las cuales
acaricia.
De esta forma arranca la que es muy posiblemente la cumbre de la extensa
obra del maestro Bergman, “Persona”. Lo que sigue, a partir de ahí, es
la exploración y simbiosis de las 2 personalidades de una misma mujer,
interpretadas magistralmente por las dos musas del cineasta: Bibi
Anderson y Liv Ullman, esta última, en opinión de quien esto escribe, no
por limitarse su trabajo a los filmes de Bergman debe dejar de ser
reconocida como auténtica diosas del histrionismo.
“Persona” es más que una auténtica obra
maestra. Es además uno de los filmes más bellos, inquietantes,
personales y fascinantes del séptimo arte. Llegó en una década en que
las grandes figuras del cine de autor se decantaron en proyectos muy
personales con el arte como eje común: “Ocho y medio” de Fellini,
“Andrei Rublev” de Tarkovski son los mejores ejemplos.
Asimismo, resulta interesante que en esos años donde otros filmes
memorables como “Grupo salvaje” (Peckinpah), “El bueno, el feo y el
malo” / “Hasta que llegó su hora” (Leone), “Lawrence de Arabia” (Lean) y
“Espartaco” (Kubrick) fueron filmados en pantalla ancha espectacular, a
todo color y en espacios abiertos, Bergman dé una catedra total con un
filme de cámara rodado a proporción 1.33:1, en espacios cerrados y en
blanco y negro. |  |
Pero QUÉ BLANCO Y NEGRO!!! En “Persona” la luz y la sombra del encuadre
nunca son mero adorno y pasan de recurso dramático a formar parte del
drama en si mismo, trazando en la imagen la psicología de ambas mujeres.
A mitad del filme, el encuadre se torna borroso y se desenfoca. Bergman
nos recuerda que lo que estamos viendo, este tormentoso duelo interior
entre una actriz que no habla y una enfermera que habla de más, es una
ilusión. No es real. Es cine. No es tan diferente de todas las imágenes
presentadas al inicio. El cine es una mentira, si, pero que busca la
verdad.
En “Persona”, pareciera que no es Bergman quien nos habla, cino el cine
mismo cuestionándose su existencia, naturaleza y razón de ser. Y al
mismo tiempo, nos recuerda porqué es que estamos sentados frente a la
pantalla, dejándonos extasiados.
Sergio R. Bárcenas Huidobro
Es necesario señalar que el filme se inspira en la pieza de cámara "La
más fuerte" del dramaturgo August Strindberg, en la que los
protagonistas son también dos personajes femeninos. Al igual que en la
película de Bergman una de las mujeres no para de hablar, mientras que
la otra permanece siempre en silencio, un silencio que acabará por
desquiciar a la primera demostrándose entonces quién es verdaderamente
la más fuerte.
Sin duda Strindberg, a quien Bergman admiraba,
influyó de forma clave en toda la obra bergmaniana tanto en cuestiones
estéticas como conceptuales.
El título del filme hace referencia a las máscaras de teatro que se
utilizaban en la antigüedad clásica, y es que el tema de la “mascarada
social” resulta fundamental en la película que ahora nos ocupa, un tema
que el propio Bergman ya había tratado bajo planteamientos estéticos
completamente distintos en El rostro (1958). Aunque en principio el
filme iba a ser titulado “cinematografía” lo que nos habla claramente de
las intenciones de Bergman de crear una obra basada en la ilusión y el
artificio.
La película comienza con planos detalle que nos muestran cómo se pone en
funcionamiento un proyector cinematográfico (el cine como ilusión) y a
continuación aparecen una serie de imágenes aparentemente inconexas,
pero que no son más que una conjunción de los temas tratados por el
cineasta hasta ese momento:
- Un pene en estado de erección (el deseo carnal impregna toda la obra de su autor).
- Una araña (en clara referencia al “Dios-araña” que aparecía en
Como en un espejo que simboliza la ausencia y el silencio de ese Dios).
- El cordero degollado y las manos clavadas a un madero (alusión al cristianismo).
- Imágenes mudas que ya aparecían en su película Prisión donde
vemos cómo el miedo (la muerte) persigue a un individuo (la muerte es el
tema capital de algunas de sus obras más importantes como El séptimo
sello o Fresas salvajes).
Tras esta esquizofrenia visual nos situamos en el interior de un
depósito de cadáveres, donde un niño acaricia una pantalla en la que se
alternan las imágenes borrosas de las dos protagonistas de la película.
Como veremos posteriormente la actriz tiene un hijo pequeño que le causa
repulsión y la enfermera tuvo tiempo atrás un aborto. Ese niño que
acaricia la pantalla y que parece querer buscar la figura maternal sin
llegar a conseguirlo hace referencia a ambos casos. En la cinta Bergman
fusiona de manera magistral lo real con lo irreal u onírico, sin que en
muchos casos podamos distinguir lo uno de lo otro.
Vinculado a las máscaras sociales, encontramos el otro tema esencial de
este título como es el de la descomposición y la fragilidad de la
identidad. Elizabeth es muda por decisión propia, porque para llegar a
“ser” (no sólo estar) y no traicionar su “yo” debe permanecer en
silencio, hablar supone decir cosas que a veces no se corresponden con
lo que pensamos. Esto es lo que le ocurre precisamente a Alma, que al
principio se muestra segura de su postura ante la vida aunque a veces
sus actos no se correspondan con la misma (el episodio orgiástico que
relata a Elizabeth). Esa seguridad inicial irá dando paso a las dudas y
la confusión hasta acabar desposeída de su identidad, se rompe así su
máscara social (al igual que se rompe la propia película hacia mitad del
metraje para volver a iniciarse) que daba sentido a su existencia. Todo
ello como consecuencia del poder de la figura silente de Elizabeth, que
“chupa” la identidad de su compañera a modo de metáfora vampírica. De
hecho en una escena vemos cómo Elizabeth chupa y absorbe literalmente la
sangre de Alma. Todo este proceso de descomposición culmina con la
fusión del rostro de ambas mujeres, en una imagen que resulta
terrorífica, ya sólo existe una, la más fuerte, Elizabeth.
Ante esta situación a Alma no le que más remedio que regresar a su
mundo, donde la seguridad es mayor, a pesar de que esta se fundamente en
mentiras y apariencias. Al final de la película volvemos a ver planos
del proyector cinematográfico que deja de funcionar, la ilusión ha
terminado.
Ricardo Pérez
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